I. SCHNITTSTELLEN – KONSTRUKTE
Wer heute als Künstler:in das Kunststück fertigbringt, das eigene Werk exakt in der Schwebe zwischen Alt und Neu, zwischen Malen und Machen, zwischen illusionärer Kunst und konstruierter Form entstehen zu lassen, der besitzt ein Pfund, mit dem es sich nicht schlecht leben lässt. Oder anders gesagt, mit der er/sie für sich Anschluss an die nächste, unmittelbare Gegenwart gefunden hat. Wer dabei genauer hinsieht, der wird bemerken, dass Christoph Peter Seidels Artefakte genau an den Schnittstellen von Gemachtem und Gemaltem, zwischen erinnertem Machen und Form gewordenen Prozessen von Veränderung entstehen. Mit anderen Worten: Wie auch die Romantiker*innen vor ihm hat der Künstler eine Vorliebe für Temporäres, etwas sich gerade, in der Gegenwart des Betrachtens, Vollziehendes.

Der glückliche Ausdruck „Malskulpteur”, den Dirk Manzke einmal für Christoph Peter Seidel gefunden hat, speist sich aus dessen langsamer, selbstkritischer Herstellungsweise, bei der sich aus beiden tradierten Gattungen im Grunde alte Fragestellungen neu herausgebildet haben. Seidels künstlerische Produktion bezieht ihre Inspirationen – zu diesen zählen namentlich solch singuläre Größen wie Jackson Pollock, On Kawara, Agnes Martin, Roman Opalka und Caspar David Friedrich – schon früh aus existenziell gesteigerten Fragen, die sich vor allem mit Funktionen und Dimensionen seines eigenen Machens auseinandersetzen. So etwa auch mit dem zeitlosen Problem der Moderne: Was ist und wie wird für mich als Produzent ein Bild zum Bild? Wie funktioniert (jetzt und hier) Farbe? Wie verändert sich (plötzlich) Farbe, wenn sie selbst als plastisches Material eingesetzt wird? Bezeichnenderweise handeln systemische Fragen dieser Art jeweils von Übergängen von einer Dimension in eine andere, möglicherweise noch unbekannte. Seidels Werke bilden in ihrer langen „Evolution” letztlich endlose Versuche eines ewigen Wandels von Farbformen in Raumlineaturen, um jeweils neue Anschlüsse an die Gegenwart zu finden. So melancholisch und selbstverloren, in sich kreisend seine Werke zunächst wirken, so lässt sich das Wahrnehmen ihrer Besonderheiten auch als Aktivierung des eigenen Blickes erfahren.

Fragen können ebenso wie Fiktionen plötzlich in neuartige Formen transformiert werden. Seidels Fragen an die Natur des Bildes beinhalten so etwas wie ein reflektierendes Machen, eine Realisierung von etwas, das sich als Form selbst erzeugt, sich dabei selbst trägt und sich als Prozess seiner späteren Wahrnehmung auch noch selbst verändert. CHRISTOPH PETER SEIDEL METASTRUKTUR In jahrelang andauernder und auch durchaus kunstskeptischer Auseinandersetzung hat sich Seidel vom einstigen Maler heute zum mit Farbe arbeitenden Konstrukteur von plastischen Artefakten entwickelt, also von zweckfrei- funktionalen Gebilden, bei denen das Auftragen von Farbschichten weitestgehend unabhängig von ihrem Trägermaterial angewandt und so zu einer Beobachtung von Kunstbeobachtung geworden ist. Seidels zeitaufwendiges, material-meditierendes Verwenden eines mit Glasfiberstücken versetzten Acrylfarbgemenges verwandelt seine frühe konzeptuelle Malerei auf einer bedeutungserzeugenden Oberfläche in ein sich rituell wiederholendes, plastisches Auftragen von dreidimensional wirkenden Farbschichten. Man könnte seine Gebilde auch als Meta–Konstrukte bezeichnen, die ihr aktuelles Gemachtwordensein formal kommentieren. Ein Werk ist ein Konstrukt, in das seine eigene Fragen eingebaut sind …

Die alte, ewig aktuelle und zutiefst romantische Frage lautet heute: Wie erzeugt und transformiert ein Bild seine Bedeutung als Bild, verwandelt Seidel seinerseits in eine materielle, sich selbst tragende Behauptung: Was man hier sieht, ist nichts als ein wiederkehrend serielles, „minimales”, Bedeutung produzierendes Raster, das so gut wie möglich seine individuelle Expressivität zugunsten seiner Verwandlung reduziert hat – ein grau-dunkles quadratisches Formengebilde, das nur nach längerem Hinsehen kaum wahrnehmbare Unregelmäßigkeiten preisgibt. Eine noch aus der Frühzeit des Künstlers stammende Frage – wie verhalten sich ausdrucksneutrale Rasterstrukturen zu den potenziell Kunst erzeugenden expressiven Oberflächen? Hat sich in „o.T. 2021” plötzlich in einer Weise verdichtet, in der alle Fragen an die Kunst in einer sich selbst erzeugenden Evidenz zu Form geronnen sind. Bezeichnenderweise eine Form, die weder Malerei noch Skulptur, weder Expression noch Negation sein will oder sein kann.

Das Problem des Meta-Machens, an dem Christoph Peter Seidel arbeitet, entsteht vor allem in und aus dem Moment, in dem ein Begriff aus der Welt des Zweidimensionalen (ein Bild) in eine Dimension des Dreidimensionalen verwandelt wird – dies jedoch in einer paradoxen Weise einer wechselseitigen Durchdringung. Diese Gleichzeitigkeit von zwei Dimensionen des Machens ist dabei nicht nur ein Problem des Künstlers, sondern vor allem auch ein Akt des Rezipienten – jemand, der seinerseits mittels Sprache realisiert, wie ein doppeltes Reflektieren einen fiktiven Raum mit einer zeitlichen Dimension (eines Machens) kombiniert.

II. KUNST EXPLIZIT MACHEN – DIMENSIONSGEWINNE
Alles, was heute aussieht, als würde es als autonomes Werk daherkommen, ist darauf angewiesen, dass es von einem fremden Gegenüber in Sprache übersetzt, explizit gemacht und so in Gegenwärtigkeit verwandelt wird. Sprache, das zentrale Medium des Betrachters, bewegt sich gegenüber dem Sichtbaren, dem Material des Künstlers, in einer interessierten Distanz. Ein Kunstwerk betrachten heißt heute: mit einem lebendigen Gegenüber, einem lebenden Werk, zu kalkulieren und in einen Austausch zu treten – so grau und gerastert, so verschlossen und still es in Seidels Arbeit einem auch zunächst erscheinen mag. Auch hier, in diesem kommentierenden Text zum gemachten Werk, geht es um einen eigenständigen Dimensionsgewinn: Ein Kommentar zu einem Werk erschafft eine zusätzliche Dimension aus Sprache; ein zum Sichtbaren hinzugekommener Kommentar formulierte eine zusätzliche, explizit gemachte Dimension einer ästhetischen Erkenntnis.

Was nämlich beides, die Dimensionen der Sprache und des Sichtbaren, voneinander unterscheidet und gleichzeitig aufeinander bezieht, ist die Resonanz und Sensibilität, mit der sich beide ihrem jeweils anderen Medium geben über deren realisierte Annäherung. Damit nähern wir uns bereits einem nicht unwichtigen Aspekt in Christoph Peter Seidels Werk an. Je mehr dieses, sein hermetisches Werk uns reizt und geradezu auffordert, mit Mitteln der Sprache, meiner Sprache, in Sprache übersetzt zu werden, desto eher riskiert diese Annäherung eine sensible Form von Nähe, auch und besonders die Werke Seidels sind heute in Form übersetzte Risiken – sie handeln vom sich vorsichtig verhaltenden Annähern. Die frühere Idee des autonomen Werks hat sich heute, nach der Geburt von so vielen Ismen und Stilgattungen, in eine Kunst des Annäherns verwandelt. Werke sind heute vielfach heteronom, durchzogen von Erinnerungen an Nichtgelingendes, Widerständiges und Unverfügbares. Gerade heutige Werke können in dieser, ihrer hehren, scheinbar leicht zu übersehenden Nicht- Spektakularität etwas hörbar machen, was zunächst nur für sich steht und gesehen werden will. Es scheint, als würde Seidels aktuelles Werk in seiner spröden Nichtaktualität sich gewissermaßen innerlich gegen jede neue, künstlich herbeigeführte Verfügbarkeit von außen sperren wollen – obwohl es sich demonstrativ in den Innenraum, die Sprache seiner Betrachtenden, hineinbewegt.

III. ZWISCHEN WUNDERBLUME UND SELBSTBEZOGENHEIT
Kunst ist nicht in jedem Moment dafür gemacht, um als Kunstwerk verehrt, bewundert oder wie in einer Top-Ten-Liste ständig aktuell verglichen zu werden. In seltenen Augenblicken lebt Kunst in der Verkörperung eines Werks in Momenten eines bewusst gemachten oder gewordenen Innehaltens. Gerade auch für Christoph Peter Seidel gilt: Werke besitzen in und mit ihrem Kunstanspruch – spätestens seit der Romantik – die wunderbare Eigenschaft, in bestimmten Momenten zu einem Anteil einer Biografie zwischen Leben und Werk zu werden.

Wer sich als Betrachtender zwischen zwei Polen (hier zwischen Malen und Machen) bewegt, der reagiert normalerweise irritiert: Weder ist dieses Werk eine dreidimensionale Skulptur noch eine in die Tiefe des Lebens hinein gebaute Malerei. Seidels Werk entlastet uns von zu genauer Kategorisierung und provoziert gleichzeitig unser visuelles Neugierverhalten. Sein Werk tut so als ob: als wäre es ihm einerlei, ob es als Kunst oder als Nichtkunst bewertet würde. In jedem Fall besteht Seidel aber darauf, dass es einer gewissen Anstrengung bedarf, um sich ein Bild dessen zu machen, was da gerade vor ihm entstanden ist und weiter entsteht.

Seidels Kunst repräsentiert ein angewandtes Erkunden von Grenzphänomenen – einen Modus einer sich selbst anwendenden Kunst, die ihr eigenes Problemlösungspotenzial besitzt. Seine Malerei verkörpert ein erweitertes Medium, das bislang kaum weder mit Verwandlungen in räumliche Dimensionen noch mit seiner Angewiesenheit auf sprachliche Differenzierungen experimentierte.

Seidels Arbeit „o.T. 2021” deutet an, dass ihm diese Dimensionsgewinne gelungen sind. Vor allem diese jüngste Arbeit offenbart nichts, jedenfalls nichts vordergründig Spektakuläres – wohl aber den Zwang, den sein jeweiliges Gegenüber verspürt, das eigene Beobachten anders zu beobachten, mit dem Werk in ein tieferes Gespräch zu kommen; vielleicht handelt es sich ja bei Seidels Werk um eine sublime Form von Dimensionierung, eine zeitgenössische Erhabenheit von widersprüchlichen Kräften, die im Werk und in der Annäherung an dieses offenbar werden. Seidels Werke wollen – anders als die alte, stille und einsame Versenkung eines Betrachtenden in das Bild – gemeinsam besprochen, gemeinsam im gegenseitigen Austausch zwischen allen Beteiligten verhandelt werden. In seinen Werken herrscht eine kaum bewusst wahrnehmbare Spannung zwischen einer zeitgenössischen Tendenz zur abstrahierenden Form und einem fast überzeitlichen Wunsch, sich wenn möglich von allen Vorgaben und Traditionen der Gegenwart fernzuhalten. Dass Künstler:innen in der Moderne als „Hofnarren der Gesellschaft” (Eva Menasse) verehrt und verpönt waren – diese polemische Einschätzung würde Seidel wohl nie teilen. Ganz im Gegenteil: „Mein Hauptanliegen ist, eine mir entsprechende Aktualität zu leben” (Jean Cocteau, 1947) – diese ebenso zeitlose wie zeitbedingte Wertschätzung des Eigenen mag Christoph Peter Seidel für sich und damit für die Kunst entdeckt haben.

Fotos
Lukas Huneke

Text
Michael Kröger

Abbildung
„o. T. 2021“ Acryl + Aluminium Format 100 X 100 X 8 cm

„In der Tat eine gute Arbeit. Und was hast Du jetzt davon?“

Christoph Seidel und seine Malerei als permanentes Experiment

Die Tür geht auf. Der Professor kommt herein. Er geht auf das Bild zu, das auf einer Staffelei steht. Mehrere Studierende blicken ihrem Professor entgegen. Wir wissen nicht, ob ihre Blicke fest sind oder flackernd, aber wir können uns vorstellen, dass die Studierenden voller Spannung, ja innerer Unruhe sind. Denn jetzt geht es um alles, jetzt trifft zusammen, was nicht zusammenpasst: Die wochenlange Mühe, die unablässige, ja selbstquälerische Arbeit und das in einer Sekunde gesprochene Urteil. Wenn es um die Qualität von Kunst geht, gibt es kein Mittelmaß. Richtig gut oder einfach nur schlecht: Auf diese Alternative läuft diese Situation hinaus. Was wird der Professor sagen? Er setzt sich unter seine Studierenden, schaut, lässt sich Zeit. Dann geht er zur Tür zurück, wendet sich, kurz bevor er sie erreicht, noch einmal um, und sagt: „In der Tat eine gute Arbeit. Und was hast Du jetzt davon?“ und ist durch die Tür verschwunden.

Egal ob Lob oder Verriss – beides brächte wenigstens Klarheit. Aber die sibyllinische Frage löst keine Spannung, sie verlängert diese Spannung zu einer lebenslangen Selbstprüfung. Ist das nun Quälerei oder gerade im Fall der Kunst das einzige Rezept für den, der nach Qualität strebt? Lösen wir, bevor wir diese Frage beantworten, erst die Frage nach jener Szene auf, die wir eingangs geschildert haben. Sie hat sich so ähnlich zugetragen, vor langen Jahren, bei einem Kolloquium an der Kunstakademie in Münster. Der Professor war Jochen Zellmann und unter den Studierenden fand sich jener Künstler, dessen Ausstellung heute zu eröffnen ist: Christoph Seidel. „In der Tat eine gute Arbeit. Und was hast Du jetzt davon?“: Christoph Seidel ist an dieser Frage nicht zerbrochen, er hat sie mit all ihrer Unbeantwortbarkeit mitgenommen in seine Karriere. Heute stellt er sie sich immer wieder selbst, weil er stark genug für diese Frage ist. Genau das muss Jochen Zellmann wohl gedacht haben, als er diese Frage vor vielen Jahren stellte. Er wusste wohl, dass er gerade mit dieser Frage bei seinem damaligen Studenten an genau den Richtigen geraten war.

Die Suche nach dem Absoluten, nach der letzten, nicht mehr bezweifelbaren Qualität begleitet die Geschichte der modernen Kunst. Das ist kein Zufall, sondern Preis genau jener Freiheit der Kunst, die mit der Moderne ja endlich Wirklichkeit geworden zu sein schien. Wer aber die Kunst befreit, der entledigt sich nicht zugleich der Maßstäbe, der zerstört nur jene Qualitätskriterien, die außerhalb der Kunst liegen, jene des Geschmacks und der richtigen Ausführung, jene auch des angemessenen Motivs oder des passenden Stils. Die moderne Kunst verabschiedet diese äußeren Qualitätskriterien der Kunst, um jenen einen, strengsten Maßstab umso radikaler mitten in der Kunst aufzurichten. Jetzt hat jedes Werk die Frage nach seiner eigenen Qualität und damit Notwendigkeit aus sich selbst heraus zu beantworten. Kunst wird also mit dem vermeintlichen Anything goes der Avantgarden nicht lax und lasch, sie wird strikt und streng. Die Frage von Jochen Zellmann zielt auf genau diesen unausweichlichen Punkt der Selbstprüfung. Ist das nun ein gutes Bild? Und wohin führt es, welche Konsequenz folgt aus ihm? Man könnte auch noch zugespitzter fragen: Ist das überhaupt ein Bild? Und wann sollen wir es für gelungen halten?

Der Künstler, der es ernst meint, ist immer auch Artist. Er balanciert auf dem Seil, vom Absturz bedroht. Wir kennen die einschlägigen Absturzgeschichten. In Honoré de Balzacs Novelle „Das unbekannte Meisterwerk“ – Pablo Picasso versah sie 1931 mit Radierungen – arbeitet der Maler Frenhofer am Porträt seiner Geliebten. Es soll das perfekte Bild werden. Als Freunde das Gemälde enthüllen, sehen sie nur ein Gewirr aus lauter Linien, aus dem ein einzelner Fuß ragt. Die unentwegte Selbstkorrektur als Weg in das unentrinnbare Chaos, die Selbstbefragung als Selbstmarterung – Frenhofer hält das am Ende nicht aus und nimmt sich das Leben.

Von Misslingen und bohrendem Selbstzweifel handelt auch jener Künstlerroman, dem sein Autor Emile Zola den lapidaren Titel „Das Werk“ gab. Das Buch handelt von einem Maler der damaligen Avantgarde, der an der Suche nach dem ultimativen künstlerischen Durchbruch und dem idealen, neuen Bild verzweifelt. Im Roman zerbricht ein Künstler, im wirklichen Leben zerbrach eine Freundschaft, diejenige zwischen Zola und Paul Cézanne, der sich in der Romanfigur des Künstlers unvorteilhaft porträtiert sah.

Keinerlei Fortune hat auch jener angehende Pianist, der die Musikhochschule betritt und aus einem Saal Klavierspiel hört. Dieses Spiel ist so perfekt, dass der Eleve Kehrt macht und seinen Plan, Pianist zu werden, aufgibt. Er ist mit seiner Ambition an der Perfektion eines anderen zerschellt. Dieser andere ist die Pianistenlegende Glenn Gould. Thomas Bernhard macht ihn zum Symbol kalter, ja tödlicher Perfektion in seinem Roman „Der Untergeher“.

Und Christoph Seidel? Er nennt seine Ausstellung schlicht „Widmung“ und meint damit viel mehr als eine Hommage an seinen Lehrer, den 2016 in Münster verstorbenen Jochen Zellmann. Seidel ist heute so alt wie Zellman zu dem Zeitpunkt, als jener die Frage nach dem guten Bild stellte. Er hat die Frage schon vor Jahren umgedreht und mit dem gleichen kritischen, ja unbarmherzigen Blick auf die Bilder seines Lehrers geblickt. Darin liegt keine Grausamkeit, keine Revanche, nur Einsicht in jene Selbstprüfung, der sich alle Künstler zu stellen haben. Im Gespräch berichtet Christoph Seidel von seinem Befremden, als er Bilder Zellmanns bei einem Besuch in Münster sah. Von „Lappen“ spricht Seidel, wenn er Leinwände seines ehemaligen Lehrers meint, von irgendwelchen Farben im Spektrum von Blau und Grau, die sich auf diesen Leinwänden auf unbestimmte Weise fügen oder disparat nebeneinanderstehen. Das Gemälde als Nagelprobe, die keine Ausflucht erlaubt – das ist gemeint, wenn nach dem gefragt wird, was da eigentlich zu sehen ist, was da eingelöst wird von jenem hohen Anspruch, den die Kunst stellt.

Was zeigt Christoph Seidel nun selbst? Sind das nicht einfach auch „Lappen“, irgendwelche Objekte, die Kunstwerke sein wollen, denen man aber genau das nicht sofort anzusehen vermag? Der Künstler hat Gemälde und Objekte ausgewählt, die zu einem Teil auch in Blau und Grau gehalten sind, auch welche, die nicht wirklich vollendet, nicht zwingend oder gelungen erscheinen. Er hat gerade einmal ein Dutzend Arbeiten ausgewählt, Arbeiten, die immer wieder „klein“ genannt werden. Kleines Objekt, kleine Studie oder einfach kleines Stück. Unverbindlicher, ja untertreibender geht es kaum. Und rückhaltloser auch nicht. Denn manche dieser Werke sehen aus, als hätte sie Christoph Seidel mitten aus dem Arbeitsprozess herausgenommen, um sie im Licht der Ausstellung auf die Probe zu stellen. Was taugt ihr? Wie weit ist es mit Euch her? Das scheint er nun selbst seine Bilder zu fragen. Das ist keine einfache Rollenübernahme, hier spricht nicht der ehemalige Lehrer in einem Schüler weiter, der sich aus einseitiger Abhängigkeit nicht zu lösen vermag. Christoph Seidel hat erkannt, wie sehr Zellmanns Frage immer auch dem eigenen Werk galt. Sie schützt vor dem größten Feind der Kunst, vor Selbstzufriedenheit und Arrangement mit dem Mittelmaß.

Nun ließe sich gegen diese Konstellation einwenden, dass die Kunst längst wieder externen Kriterien folgt. Es geht, wenn man auf den aktuellen Kunstmarkt schaut, oftmals weniger um die Geschlossenheit von Kunstwerken als um ihren Marktwert, weniger um Perfektion als Dekoration, weniger auch um eigenständige Konzepte als darum, künstlerische Ideen nach Auftraggebern auszurichten, seien sie nun Sammler, Sponsoren, Kuratoren oder all jene, die Förderrichtlinien festlegen. Das mag alles so sein und ändert doch wenig an der grundsätzlichen Frage, wie Kunst heute ihre Notwendigkeit plausibel machen kann – am besten Werk für Werk. Wer auf dieser Probe besteht, muss ziemlich hartnäckig, ja vielleicht sogar ein bisschen verbohrt sein.

Christoph Seidel ist genau das, penibel und dabei ein wenig versponnen, zugleich aber auch redlich und klar. Wer ihn in seinem Atelier im ländlichen Hilter bei Osnabrück besucht, der betritt ein Atelier, das Produktionsstätte und Arena und Galerie und Lager ist und am Ende all das zusammen. In dem alten Industriebau hat sich ein Künstler eingerichtet, der uns mal wie ein extrovertierter Actionpainter vorkommt, mal wie ein durchgeistigter Kunsteremit. Kunst ist Machen, Kunst ist Denken. Kunst gibt es nicht ohne körperliche Verausgabung, nicht ohne penible, immer mitlaufende Selbstbeobachtung. All das führt Christoph Seidel vor, nicht zuletzt mit dieser Ausstellung, die für ihn kein Schaulaufen ist, sondern wieder eine Gelegenheit, seinen Bildern selbst als Betrachter, ja als schärfster Kritiker entgegenzutreten.

Wer ist Christoph Seidel? Der 1964 in Bad Rothenfelde bei Osnabrück geborene Künstler hat nach dem Zivildienst ab 1984 an der Kunstakademie Münster studiert, bei Jochen Zellmann in der Malerei den Meisterbrief erworben, bei Paul Isenrath in der Bildhauerei den Akademiebrief. Christoph Seidel lebt seitdem in zwei Berufen – als Maler und, bis 2008, als Pfleger geistig und körperlich mehrfach behinderter Menschen. Seit 2006 begleitet er das Kunstprojekt „KunstContainer“ der Heilpädagogischen Hilfe in Osnabrück. Er hat die Osnabrücker Stadtgalerie in ein Zentrum Outsider Art verwandelt. 2016 zeichnete der Landschaftsverband Osnabrücker Land e.V. ihn mit seinem Kunstpreis aus. Diese hochverdiente Ehre galt nicht nur seinem Werk im engeren Sinn, sondern auch seinem künstlerischen Engagement in der Arbeit mit Menschen mit Behinderung. Kunst als strenge Übung, Kunst als Projekt ohne falsche Grenzziehungen – das gehört für Christoph Seidel unbedingt zusammen. Nach einem genau austarierten zeitlichen Fahrplan wechselt er zwischen den Schauplätzen seiner Aktivitäten hin und her. Er mag dabei seine Rollen momentweise wechseln, seinem Qualitätsanspruch bleibt er ebenso treu wie seiner Übung in kritischer Selbstbeobachtung.

Machen und Beobachten gehören bei Christoph Seidel ebenso zusammen wie Praxis und Reflexion. Wer genau hinschaut, wird immer wieder entdecken, dass bei künstlerischen Prozessen die Reflexion in die Abläufe der Praxis eingelassen ist. Der Phänomenologe Maurice Merleau-Ponty weist in seinem Essay „Das indirekte Sprechen“ auf jene Zeitlupenaufnahmen von Henri Matisse hin, die zeigen, wie vor jedem Pinselstrich viele kleine Bewegungen ausgeführt werden, an denen sich beweist, dass der Künstler in jedem Augenblick eine eigene Wahl vollzieht, auch wenn ihm die gar nicht voll bewusst sein muss. Jede künstlerische Praxis beinhaltet ein unablässiges Ausprobieren, ein Machen, das bereits Ergebnis ist jener Auswahl, die sich zwischen mehreren Optionen der nächsten Bewegung, der nächsten Setzung entschieden hat. Christoph Seidel arbeitet eben genau so – nicht als entfesselter Berserker vor und an der Leinwand, sondern als geduldiger, auch skrupulöser Arbeiter, der probiert und prüft.

Sein Thema gehört zum innersten Kern des Projekts der künstlerischen Moderne: Es ist die Farbe, ihre Unabhängigkeit, ihre Fähigkeit, allein und ohne Verweis auf externe Motive oder vermeintliche Wirklichkeiten außerhalb des Bildes selbst zum Ereignis, selbst zu einer Realität von eigenem Recht zu werden. Sicher, manche der Bilder Christoph Seidels lassen sich in einem weiteren Sinn als Landschaften verstehen. Allerdings fragt es sich dann jedes Mal, was denn dabei die Landschaft sei – das Abbild einer Natur da draußen oder nicht vielmehr jenes Relief, das mit dem Auftrag der Farbe selbst entsteht. Seidels Malerei mag farbstark sein, aber sie illustriert nichts, sie mag ausdrucksstark sein, aber sie wäre als Expression missverstanden. Diese Bilder funktionieren nicht als Verweise, sondern als Gebilde, die sich selbst strukturieren. Dabei wirken viele der Bilder Christoph Seidels so, als sei der Fluss der Farbe in ihnen nur für einen Moment und damit also nur vorübergehend zu einem Stillstand gekommen. Jede Farbe ist eine starke, zugleich aber auch unsichere Substanz. Denn sie beansprucht ein kaum zu kontrollierendes Eigenleben. Farbe verweigert sich per se allen Festigkeiten von Form und Struktur. Auf der anderen Seite braucht sie ja gerade Struktur, um im Bild in einer sinnvollen, weil erfassbaren Weise zur Erscheinung zu kommen.

Das hört sich nach einem Grenzgang an, nach genau jenem Grenzgang, der sich wie ein roter Faden durch Christoph Seidels künstlerische Vita zieht. Die Farbe ist sein Thema. Das sagt sich so leicht, denn zugleich geht es ja auch darum, Farbe zu ihrem Eigenleben zu verhelfen, sie auf der anderen Seite aber auch dadurch zu domestizieren, dass man sie in Verhältnisse zu anderen Farben setzt, ihr durch Bildformate, Werkgrenzen überhaupt einen Rahmen gibt. Christoph Seidel findet dafür immer neue Lösungen, die seine Werkentwicklung sehr genau strukturieren. Wenn es um den Bildträger geht, schränkt er sich nicht nur auf die klassische Leinwand ein, Seidel sucht neue, andere Träger für die Farbe.

Er arbeitet mit transparenten Untergründen, die er auf Rahmen spannt, er unterlegt dem Bildträger Drahtnetze, formt Bodenobjekte oder plastische Gitterstrukturen, mit denen sich Farbe so verbindet, als trete sie gleichsam eigenständig in die Wirklichkeit des Raumes. Die Ausstellung in den Räumen des Hagenrings mag im Hinblick auf ihre Fläche noch so begrenzt sein – der Künstler stellt gleichwohl mehrere künstlerische Lösungen in all ihrer Pluralität, ja Unverbundenheit nebeneinander.

In dieser Suche nach immer neuen Materialien artikuliert sich ein tiefes Misstrauen, das sich gegen eine voreilige Festlegung auf einen Stil richtet, gegen die Gefahr der leeren Wiederholung oder gar gegen das mögliche Abgleiten in einen eigenen Manierismus. Bloß keine Wiederholung! Acryl, Papier, Plexiglas, Holz, Maschendraht: Die Liste der Materialien liest sich wie das Tagebuch einer niemals aufhörenden Erprobung immer neuer künstlerischer Optionen. Seidel betreibt den Materialmix nicht als puren Selbstzweck, er macht sich auf eine Entdeckungsreise zu weiteren Möglichkeiten, aus dem Bild heraus und in den Raum zu treten. In diesem wichtigen Zug seiner Arbeit ist noch der späte Einfluss von Gerhard Hoehme spürbar, der wiederum Seidels Lehrer Zellmann ausbildete. Hoehme montierte Schnüre in und auf seine Malgründe und ließ seine Bilder so Fühler in den Raum austrecken. Als Hoehmes künstlerischer Enkel setzt Christoph Seidel seine Bilder noch ganz anders in Bewegung, nämlich dadurch, dass er ihren Aggregatzustand in einem weit stärkeren Maß grundsätzlich verändert.

Wie sehen die Resultate dieser Bemühungen aus? Was wird dadurch gewonnen? Christoph Seidel hat vor allem mit seiner Ausstellung in Schieder-Schwalenberg bei Detmold 2016 eindrucksvoll geantwortet. Im Robert-Koepke-Haus machte er seinerzeit Malerei und mit ihr die Farbe zu einem Totalereignis – als Gemälde an der Wand, Bildobjekt auf dem Boden und Farbobjekt im Raum. Die Signatur dieser Präsentation setzte Seidel mit einem Bodenobjekt aus Keilrahmen, dessen Umriss die Kontur des eigenen Atelierraumes wiedergab. Die Bildelemente lagen wie kantig geborstene Eisschollen im Ausstellungsraum. Seidel hatte sie mit einer Malerei bedeckt, die sich in warmen Lichtströmen scheinbar wie von selbst in alle Richtungen ergoss. Malerei bildete ihre eigenen Landschaften aus. Und der Künstler stand ihr dabei scheinbar nur wie ein Helfer zur Seite. Der Künstler hält mit solchen Konzepten die Mitte zwischen Malerei und Ausstellungskonzeption, zwischen der Ausführung des einzelnen Werks und einem Denken in kompletten Raumgestaltungen.

Der Künstler spricht bei solchen Projekten immer wieder lakonisch von seiner „Teststrecke“. In Wirklichkeit treibt er seine Kunst als Prozess voran, der seine Maßstäbe nur aus den eigenen Mitteln und Methoden heraus definiert. Seidels Kunst ist so in hohem Maße in sich selbst geschlossen und zugleich – im Hinblick auf Material und Raum – maximal expansiv. Christoph Seidel produziert auf diese Weise mit seinen Bildern und Objekten und ihren immer neuen Differenzen frische Anlässe für hochgradig verfeinerte Beobachtungen in den Lichtsphären der Farben. Das ist künstlerisch deshalb vortrefflich, weil eine solche Arbeitsweise radikal zeitgenössisch gedacht ist.

Es ließe sich mit Niklas Luhmanns Systemtheorie trefflich darüber nachdenken, wie Seidel seinen Arbeitsprozess und damit die Genese jedes einzelnen seiner Werke als Abfolge sehr bewusst vollzogener Unterscheidungen konzipiert und sich gerade in dieser Arbeitsweise als entschieden moderner Künstler erweist. Luhmann beschreibt in seinem Klassiker „Die Kunst der Gesellschaft“ das zeitgenössische Kunstwerk als Ensemble aus Unterscheidungsleistungen und den zu ihnen gehörenden Prozessen. Diese Prozesse können naturgemäß an kein Ende kommen. Das zeitgenössische Werk – solange wir von Werkbegriffen noch sprechen wollen – hat keine finale Gestalt, sondern immer nur neue Zwischenzustände. Diese Wahrheit anzuerkennen, bedeutet für Christoph Seidel keine Resignation. Sie setzt im Gegenteil immer neue Impulse für eine künstlerische Arbeit, die jede Präsentation immer nur als momentanen Zustand eines Werkes und seiner Sichtbarkeit sieht, die sich im nächsten Augenblick wieder verändern und auflösen.

Seidels Kunst folgt damit keinem Diktat des Neuen, erst recht nicht im Sinn jener Selbstüberholungen, die für den Kunstmarkt und seine Umsatzinteressen inszeniert werden. Christoph Seidel gehört zu jenen Künstlern, die sich von den Erwartungen und Bewertungsroutinen des Marktes sehr freigehalten haben. Er folgt der Logik seiner Werkentwicklung als einer deshalb rückhaltlos modernen, weil sie das Spiel der künstlerischen Unterscheidungen immer weitertreibt und damit, um noch einmal in der Terminologie Niklas Luhmanns zu sprechen, immer neue Beobachtungsmöglichkeiten kreiert. Genau das aber macht Moderne weiter aus: jene beständige Selbst- und Umweltbeobachtung von Individuen, die sich mit der Moderne selbst reflexiv geworden sind. Dieser Prozess hat sich nicht abgeschwächt, er bildet im Gegenteil das Fundament unseres Lebensgefühls und unserer sozialen Situierung. Kunst bildet keine außerhalb ihrer selbst liegende Wirklichkeit ab, sie zeigt auch nicht, wie das Leben besser, schöner oder vollkommener sein könnte, sie bietet überhaupt keine Lösungen an, sondern immer wieder nur Anlässe für Beobachtungen mit der Qualität einer ästhetischen Erfahrung, die Kommunikation anregt und das, was aus ihr folgt: neue Formen der Selbstdefinition.

Genau das haben wir von guten Bildern – um zum Schluss dieser kleinen Einführung auf jene Frage zu antworten, mit der Jochen Zellmann einst seine Studierende in zermürbende Grübeleien stürzte. Christoph Seidel hat erkannt, dass ihm sein Professor mit dieser Frage eigentlich das Tor zu einem selbstbestimmten und eben deshalb erfolgreichen künstlerischen Entwicklungsprozess aufgestoßen hat. Eines der Ergebnisse dieses Prozesses sehen wir jetzt in den Räumen des Hagenrings in Gestalt einer Ausstellung, die sich nicht als Präsentation einer im problematischen Sinn vollendeten Kunst versteht, sondern als nächste Teststation auf einem Weg der Produktion und Reflexion, die niemals enden können und dürfen. Und was haben wir nun davon? Nutzen wir die Frage des einstigen Kunstprofessors Jochen Zellmann dazu, uns selbst mit der Kunst, die hier sehen, neu in Bewegung zu setzen. In diesem zugespitzten Sinn sei die „Widmung“, die der Präsentation ihren Titel gibt, nicht nur auf den Künstler und sein Vorbild, sondern auf uns alle im Sinn produktiver Herausforderung bezogen.

Hagen, Hagenring-Galerie: Christoph Seidel: Widmung. 16. Februar bis 15. März 2020.

Liebe Farb-Luft-Raum-Klang-Bilder-Haus-
Besucherinnen und -Besucher,mir wurde leichtsinniger Weise von Christoph Peter Seidel angetragen, zu einem besonderen Ereignis ein Präludium zu sprechen. Lieber Christoph, Du und ich wussten gestern noch nicht, was das sein wird.Auf das Präludium folgt ein Interludium – Malerei und Cello-Performance mit Willem Schulz. Lieber Willem, weder Christoph noch Heike noch ich wissen bis zu diesem Augenblick, was das sein wird.Was wir aber alle mit größtem Vertrauen wissen, ist, dass es gut sein und uns anrühren wird. Jeden und jede auf die je eigene Weise. Und ganz ohne Ballast von hehren schweren Worten. Vielmehr einfach ein fröhliches Experiment in einem Haus. Und das ist eigentlich das Wunder, das uns alle hier zusammenführt: in einem Haus, in dem gewohnt, gelebt, gegessen und geschlafen, gedacht und geredet, geputzt und gekocht und gefeiert wird. Das Wunder ist die Verbindung dessen, was nun für vier Wochen und für die begrenzte Zeit dieser heutigen Veranstaltung da ist: Bild und Klang, dargeboten durch zwei Künstler, die einander offenbar gesucht und gefunden haben. Und die ganz besonders die Dritte im Bunde gesucht und gefunden haben, nämlich Heike Bohm. Ohne sie gäbe es uns hier und jetzt und heute nicht an diesem Ort. Danke, Heike! Wie schön, Dich auf diese Weise kennenzulernen!
Ganz gleich ob Prä- oder Interludium: